Oswaldo Guayasamín: biografia e opere
Oswaldo Guayasamín (1919-1999) è uno degli artisti più importanti dell'America Latina, le cui opere sono state esposte nelle sale più importanti del mondo. La sua arte ha un profondo sentimento indigenista con una posizione ideologica e pittorica caratteristica del continente americano: il realismo sociale.
Nato a Quito e addestrato sotto i tradizionali canoni dell'arte, Guayasamin ha rotto con questi schemi per catturare la realtà delle popolazioni indigene dell'America Latina che hanno subito l'oppressione, così come le devastazioni della Colonia e l'incrocio di razze.
In stile espressionista, le creazioni di questo artista ecuadoriano sono state nutrite dai muralisti messicani in termini di espressività, l'uso del colore e la forza che trasmettono, per lasciare all'osservatore la sensazione di energia vitale dell'autore e, in questo modo, rendere nota la sua protesta.
Oltre a questa essenza indigenista, il suo lavoro è anche caratterizzato dall'appropriazione di tendenze d'avanguardia come il cubismo e l'espressionismo, senza perdere il realismo di mostrare una realtà della violenza che ha denunciato.
Ha realizzato importanti mostre - più di 200 persone - nei più importanti musei del mondo, come Francia, Spagna, ex Unione Sovietica, Cecoslovacchia, Polonia, Messico, Cile e Argentina.
Guayasamín è stato anche conosciuto per fare amicizia con personaggi di livello mondiale, come il poeta Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, il re Juan Carlos di Spagna, Gabriel García Márquez e Carolina de Mónaco, tra gli altri che ha ritratto.
Nel 1991 il governo dell'Ecuador ha riconosciuto il prolifico lavoro dell'artista e il suo contributo all'arte mondiale, così ha deciso di creare la Fondazione Guayasamín, alla quale il pittore ha donato tutta la sua creazione e le sue collezioni d'arte.
biografia
Oswaldo Guayasamin è nato a Quito il 6 luglio 1919 ed era il fratello maggiore di una famiglia di dieci. Suo padre, José Miguel Guayasamin, era un indigeno della tribù quechua; mentre sua madre, che ha risposto al nome Dolores Calero, era meticcia.
Fin da giovanissimo ha mostrato il suo amore per la pittura facendo cartoni animati dei suoi compagni di classe e facendo i poster del negozio che sua madre correva. Inoltre, dipingeva quadri su pezzi di cartone che vendeva ai turisti per pagarsi gli studi.
Nonostante la ferma opposizione di suo padre, il giovane Guayasamín si iscrisse alla Scuola di Belle Arti dell'Ecuador, da cui si laureò come pittore e scultore nel 1941, ricevendo anche il riconoscimento di essere il miglior studente della sua promozione.
Appena un anno dopo la laurea è riuscito a fare la sua prima mostra nella capitale ecuadoriana. Questo spettacolo è stato caratterizzato dal suo carattere di denuncia sociale, motivo per cui ha causato una grande commozione tra gli assistenti e il critico del tempo.
Con quel particolare stile, il giovane Guayasamin riuscì a catturare Nelson Rockefeller, che gli comprò diversi dipinti e lo appoggiò nel suo futuro.
internazionalizzazione
Dopo quella controversa esibizione e con il sostegno di Rockefeller, Guayasamin si trasferì negli Stati Uniti, dove espose anche i suoi dipinti. Durante i 7 mesi del suo soggiorno ha visitato tutti i musei che ha potuto entrare in contatto diretto con il lavoro di El Greco, Goya, Velásquez e quello dei muralisti messicani Diego Rivera e Orozco.
Con i soldi che riuscì a fare si recò in Messico per incontrare un grande maestro, il muralista Orozco, che fu toccato dal suo talento, gli permise di essere il suo assistente. In questa visita ha anche incontrato Diego Rivera ed entrambi hanno imparato la tecnica della pittura ad affresco. In Messico è diventato amico di Pablo Neruda.
Nel 1945 fece un viaggio epocale: dal Messico alla Patagonia. In questo viaggio ha visitato ogni città e ogni città per prendere appunti e disegni di quella che fu la sua prima serie di 103 dipinti chiamati Huacayñan, che in quechua significa "Il sentiero delle lacrime", il cui tema è il nero, l'indiano e il meticcio .
In questo modo, tutto il suo lavoro ha cominciato a ruotare attorno al tema indigenista, a proposito dell'oppressione e della violenza di cui sono vittime le popolazioni indigene.
L'opera monumentale Il percorso delle lacrime è stato realizzato grazie al sostegno fornito da Guayasamín alla Casa della Cultura.
Questa serie fu esposta per la prima volta a Quito nel 1952 al Museum of Colonial Art, e nello stesso anno a Washington ea Barcellona (Spagna), durante la III Biennale d'Arte Ispanica. In quest'ultimo evento gli è stato conferito il Gran Premio per la pittura.
Presenza in grandi edifici
Oltre ad avere mostre monumentali nei principali musei del mondo, il lavoro di Guayasamín è presente anche in grandi edifici.
Ad esempio, un murale in mosaico di vetro veneziano è stato nel Centro Simón Bolívar a Caracas dal 1954, che è noto come Tribute to American Man .
Per il suo paese natale ha realizzato due murales impressionanti nel 1958. Il primo è la scoperta del Rio delle Amazzoni, anch'esso realizzato in mosaico veneziano, che si trova nel Palazzo del Governo di Quito. L'altro è stato realizzato per la Facoltà di Giurisprudenza dell'Università Centrale dell'Ecuador, che si chiama Storia dell'Uomo e della Cultura .
Nel 1982 un murale di oltre 120 metri che Guayasamín dipinse con polvere di marmo e acrilici fu inaugurato all'aeroporto Barajas di Madrid. Questo lavoro monumentale ha due parti: una è dedicata alla Spagna e l'altra all'America.
Il suo lavoro è presente anche presso la sede dell'Unesco a Parigi e San Paolo. Anche i suoi monumenti abbelliscono l'Ecuador: la giovane patria è a Guayaquil e la resistenza a Quito.
Principali riconoscimenti e morte
Grazie al suo lavoro prolifico, al suo carattere di denuncia sociale e alla sua universale trascendenza, Guayasamin ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti per la sua carriera.
Il suo lavoro è stato riconosciuto in tutto il mondo a seguito del quale nel 1957 ha ricevuto il premio per il miglior pittore in Sud America, a cui è stata conferita la Biennale di San Paolo, Brasile. Ciò ha segnato il consolidamento della sua internazionalizzazione.
Nel 1976, ha creato la Fondazione Guayasamín insieme ai suoi figli, per donare il suo patrimonio artistico all'Ecuador. Attraverso questa fondazione è stato in grado di organizzare tre musei: arte precolombiana, arte di Colonia e arte contemporanea.
È stato nominato membro della Royal Academy of Fine Arts di San Fernando in Spagna e membro onorario dell'Academy of Arts of Italy. Fu anche nominato vice presidente e poi presidente della Casa della Cultura di Quito nel 1973.
Inoltre, fu il primo artista latinoamericano a ricevere una decorazione dal governo francese; questo è successo nel 1974.
Morì il 10 marzo 1999 senza aver completato la sua più grande opera, La capilla del hombre, concepita dall'artista come tributo all'umanità, in particolare al popolo latinoamericano. È un museo d'arte costruito a Quito che mira a riunire l'arte latinoamericana dal Messico alla Patagonia.
fabbrica
La produzione di Guayasamín è caratterizzata dai suoi inizi dal suo profondo spirito indigenista, ed è carica di un alto contenuto di denuncia sociale. In questo modo fu in grado di varcare i confini dei canoni tradizionali e diventare uno dei difensori più fedeli delle popolazioni indigene dell'America latina.
Per sviluppare il suo stile personale, ha bevuto dall'influenza dei muralisti messicani, in particolare del suo maestro Orozco. Era anche un fervente espositore dell'espressionismo, che ha dato alla sua intera creazione un taglio umanistico, riflettendo il dolore e la sofferenza sofferti da gran parte dell'umanità.
In questo modo, il lavoro di Guayasamín è inscritto in quella corrente di espressionismo in cui la realtà espressiva conta di più senza affrontare la realtà esterna, ma piuttosto con le emozioni che si risveglia nell'osservatore.
Per questo, questo pittore ha affermato che "il mio dipinto è ferire, graffiare e colpire il cuore della gente. Per mostrare ciò che l'uomo fa contro l'uomo. " Ciò è particolarmente evidente nei loro volti sfigurati e tristi che trasmettono con forza il dolore della loro gente.
In questo senso, il suo lavoro è centrato sulla figura umana, con colori vibranti e temi sociali.
Nonostante abbia adattato il suo lavoro alle esperienze e alle tecniche lasciate dal pennello con i grandi artisti del tempo, ha sempre mantenuto l'espressione del sentimento umano nella sua tela. È tutta sua creazione che puoi differenziare tre età, che sono le seguenti:
Il sentiero del pianto
La Fondazione Guayasamin è riuscita a raccogliere alcune delle prime creazioni dell'artista, che ha iniziato a dipingere e disegnare all'età di 7 anni. Quando è entrato all'età di 12 anni presso la School of Fine Arts ha affascinato insegnanti e compagni di classe con il suo virtuosismo. A quell'età iniziò a lavorare sulla questione sociale che in seguito segnò la sua intera carriera.
Quello che è considerato il suo primo stadio è quello che viene chiamato come la sua prima serie: il percorso del pianto.
Questo stage si svolge tra il 1945 e il 1952 e si concentra principalmente nel viaggio che ha fatto con i suoi amici in tutto il Sud America, dove si è fermato a visitare ogni città per coglierne la realtà.
Grazie alle note e ai disegni che ha realizzato durante il viaggio, ha lasciato in eredità il mondo di Huacayñan, o El camino del llanto, la sua prima serie di 103 dipinti in cui descrive il problema degli indiani, dei neri e dei meticci attraverso archetipi universali che appaiono sul palco con simboli ancestrali, come la luna, il sole e le montagne.
Con tutta la sua carica simbolica universale, questa serie è stata quella che gli ha dato un posto nelle arti del mondo.
L'era della rabbia
In questa fase che ha sviluppato negli anni '60, Guayasamin ha dimostrato che il contenuto estetico non è ciò che è importante nel suo lavoro, ma il contenuto sociale, il messaggio di un uomo contro l'oppressione, la violenza e la sofferenza.
L'origine di questa denuncia risale a quando in gioventù un amico d'infanzia fu ucciso dalla repressione di Quito. Da lì l'artista ha iniziato la crociata per ritrarre la violenza dell'uomo contro l'uomo per lasciare un messaggio di ribellione e combattere contro l'alienazione.
Questa ribellione è evidente negli occhi delle sue figure, che piangono per un cambiamento. Le sue figure hanno una smorfia di dolore nonostante la serenità che mostrano, le loro mani piangono per la speranza. Tutto questo si riflette con enormi tratti verticali per segnare più dolore.
Con questo lavoro Guayasamín ha scosso il mondo evidenziando tutta la crudeltà dell'uomo nel corso del ventesimo secolo. Per questo motivo è riuscito a esporre nelle principali città occidentali del mondo, suscitando scalpore sia nelle critiche che nella comunità.
Della tenerezza
Questo ciclo è iniziato negli anni ottanta come tributo a sua madre, una figura trascendentale nella sua vita a cui ha dichiarato il suo amore e la gratitudine per averlo sempre sostenuto.
Questa serie segna un cambiamento nel lavoro dell'artista senza che ciò significhi che le figure, ora più serene di prima, hanno perso in parte il loro messaggio di denuncia e critica.
L'età della tenerezza, o Finché vivo, mi ricordo sempre di te, è composta da 100 opere il cui centro è un omaggio a sua madre; in effetti si riferisce in generale alla figura materna inclusa Madre Terra.
Questo set è anche considerato una canzone per i diritti umani. È l'ultimo lavoro che lo ha occupato, dal 1988 al 1999.
Per il suo particolare stile estetico, ma soprattutto per il suo tema centrato sull'abbandono di un messaggio di ribellione e denuncia dell'umanità, Guayasamín riuscì con la sua arte a varcare i confini del suo nativo Ecuador e ad occupare un posto d'onore nelle arti universali.
Questo è stato così grazie al fatto che la sua creazione ha una particolare espressività del tempo che ha dovuto vivere, per trasmettere un messaggio che avrebbe risvegliato la coscienza dell'umanità e riuscire a generare il grido di ribellione.
