Arte astratta: origine e storia, caratteristiche, pittura e altro

L'arte astratta è qualsiasi espressione artistica che si distacca da qualsiasi rappresentazione reale, con lo scopo di creare uno spazio completamente diverso da quello naturale. Questo senso di astrazione si ottiene attraverso l'uso di diverse forme geometriche, così come punti, linee e colori puri.

L'astrattismo come corrente artistica è anche noto come arte non figurativa; Ciò significa che questo stile non ha alcun punto di contatto con l'arte tradizionale rappresentativa. Nonostante ciò, questa distanza con la realtà non implica una negazione di essa, ma piuttosto propone un'opposizione o un contrasto.

Secondo gli intenditori, per capire l'arte astratta è necessario saper discernere tra figurazione e astrazione, poiché sono concetti totalmente opposti. Per questo motivo, quando queste nozioni artistiche sono assimilate, è facile distinguere tra un'opera astratta e un'opera figurativa.

Astrazione e figurazione

Il fenomeno dell'astrazione si manifesta quando non è possibile associare l'elemento creato con alcun elemento esistente nella realtà.

Ad esempio, se l'immagine di un albero viene presa e viene sfocata o modificata, questo gioco artistico non può essere considerato un'astrazione, poiché l'immagine conserva ancora l'essenza della figura originale; cioè, è ancora figurativo.

D'altra parte, le immagini che non hanno alcun riferimento reale possono essere prese come un'astrazione. Nel campo dell'arte astratta ci sono diversi aspetti, come l'astrazione geometrica, il formalismo e l'astrazione espressionista. Tuttavia, tutti sono legati all'assenza del referente reale.

Quelle figure relative ai sogni non possono essere considerate un'astrazione perché, sebbene i sogni e gli incubi possano provocare immagini surreali (ad esempio un unicorno), mantiene comunque riferimenti che possono essere trovati nella realtà (nel caso di dell'unicorno, è un cavallo con un corno).

Distanziamento con il mondo figurativo

L'astrattismo cambiò radicalmente il mondo artistico, perché prima di questo evento, l'arte era rimasta sotto la tutela della figurazione nonostante il fatto che durante il XIX e il XX secolo la forma avesse cominciato a confondersi con altri movimenti come l'impressionismo, post-impressionismo e cubismo.

Dal momento in cui l'uomo dipinse nelle caverne, l'arte è rimasta una ricerca per rappresentare la realtà.

Fino al XX secolo l'artista non era stato in grado di separarsi dal suo ambiente e dal suo contesto, così l'arte astratta ha permesso un'apertura nell'episteme di un momento storico che aspirava a grandi cambiamenti sociali e un rinnovamento estetico.

L'astrazione può essere associata alla musica, poiché i suoni non possono essere figurativi (nonostante la nomenclatura musicale). Anche i colori e le forme sono astratti, poiché offre una vasta gamma di possibilità che non devono necessariamente avere un vero mittente.

Origine e storia

L'arte astratta ha le sue origini in movimenti precedenti come il cubismo e il fovismo; tuttavia, c'è un particolare dipinto che è servito come punto di partenza per la separazione tra la rappresentazione di oggetti reali e la percezione visiva dei colori.

Questo lavoro appartiene al pittore James McNeill Whistler ed è intitolato Nocturn in nero e oro: il razzo che cade. In questo dipinto del 1874 si può vedere una gamma di colori scuri ed è difficile trovare direttamente forme umane o costruzioni architettoniche.

Ciò che è facilmente apprezzato sono le pennellate di luce e ombra, oltre ai punti dorati che sembrano evocare uno spettacolo pirotecnico.

Influenza del cubismo, dell'espressionismo e del fascismo

Con l'apparizione delle opere di Pablo Picasso e Georges Braque, è stato permesso un ingresso forzato di forme geometriche e colori piatti. Allo stesso modo, Paul Cézanne si avventurò anche nei suoi inizi nella creazione di una realtà alternativa; cioè, ha lavorato a una ricostruzione del figurativo.

A loro volta, gli artisti espressionisti erano responsabili dello sfruttamento - anche in modo grottesco - dell'intensità della tavolozza dei colori e delle forme. I suoi dipinti sono considerati dai critici come un'ondata di passioni, che si sono manifestate in modo reazionario prima di un momento di grande sconforto sociale.

Allo stesso modo, un'opera come El shito di Edward Munch è fondamentale per lo sviluppo di quella che sarebbe stata in seguito l'arte astratta o non figurativa del XX secolo. Viene anche preso in considerazione il dipinto intitolato L'ingresso di Cristo a Bruxelles, di James Ensor.

Altri grandi esponenti dell'avanguardia, come Paul Gauguin, Henri Matisse e Georges Seurat, sono considerati l'ispirazione principale per chi fu in seguito il più grande rappresentante dell'astrattismo, Vasili Kandinsky.

Questo perché il linguaggio del colore grezzo, insieme alle sue diverse pennellate, ha fortemente influenzato il rinomato pioniere.

Da Baudelaire a Mallarmé: tentare di distanziare il riferimento

Nel mondo della scrittura stavano inoltre sviluppando diversi movimenti che avevano lo scopo di rompere con il stabilito e il finire con il vero referente. Nel campo delle lettere questa separazione è stata un po 'più difficile, poiché nella mente umana le parole cercheranno sempre di sostenere il loro riferimento.

Tuttavia, questi poeti hanno raggiunto il legame con l'interiorità della forma attraverso l'immagine acustica della parola, staccandosi dal concetto a cui si riferisce.

Il grande poeta della modernità Charles Baudelaire è stato responsabile della semina del seme dell'idea che tutti i sensi reagiscono a determinati stimoli artistici, perché sono collegati da un profondo livello estetico che risiede nel subconscio dell'essere umano.

In altre parole, tutte le arti hanno la capacità di risvegliare certe sensazioni nell'occhio, nell'orecchio e nella mente del percipiente, senza la necessità di rispondere a un referente reale.

Allo stesso modo, i famosi poeti francesi come Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud e Guillaume Apollinaire hanno cercato di allontanare la forma referenziale per concentrarsi sul godimento della sonorità delle parole e su ciò che possono evocare nel lettore senza dover fare riferimento a un concept.

Ciò significa che si tratta di modificare la struttura mentale del lettore in modo da eliminare i parametri stabiliti e osare combinare e creare sensazioni diverse attraverso la sonorità delle sillabe. Pertanto, è un'astrazione all'interno della scrittura.

Gli acquerelli musicali di Claude Debussy

Come antenato musicale di quella che fu in seguito arte astratta è il grande compositore Claude Debussy, i cui pezzi musicali sembravano imitare le pennellate di pittori impressionisti e postimpressionisti.

Allo stesso modo, questo compositore è anche associato al movimento simbolista, poiché le sue note erano costituite da una forte carica allegorica, accompagnata a sua volta da una notevole influenza orientale.

Ciò significa che, per musicisti come Debussy ed Erik Satie, gli oggetti osservati nella vita di tutti i giorni sono solo simboli che rispondono a una realtà molto più profonda, che si manifesta all'essere umano attraverso un suono accompagnato da colore e movimento. .

Caratteristiche dell'arte astratta

Cerca di catturare l'essenza

Sebbene abbia aspetti diversi, il movimento astrattista è caratterizzato principalmente dalla ricerca dell'essenza primitiva degli oggetti.

Pertanto, l'arte astratta cerca di catturare nelle sue manifestazioni artistiche l'esplorazione della coscienza e dell'incoscienza ai suoi livelli più puri.

libertà

Un'altra delle sue principali caratteristiche è la libertà di applicazione delle tecniche e degli elementi e il significato di tali risorse.

Ad esempio, questo è chiaramente applicato nel campo cromatico: i colori hanno la loro propria espressione artistica, senza bisogno di riferirsi ad un concetto reale.

Assenza di forme reali

L'astrattismo manca di forme reali; vengono utilizzate solo figure geometriche, poiché è uno stile che fa appello a una totale semplicità della forma.

pittura

-Vasili Kandinsky

Per molti critici, l'arte astratta inizia con le opere di Vasili Kandinsky; Tuttavia, va notato che nell'anno del 1910, le biglie marmorizzate francesi divennero famose, il che può essere considerato come l'inizio dell'astrazione.

Tuttavia, secondo gli esperti, l'importanza di Kandinsky nella storia dell'arte è innegabile. Questo pittore aveva un'eredità di sangue orientale, che ha usato come fonte di ispirazione per le sue opere.

Inoltre, lo stesso artista ha ammesso di essere stato ispirato dalle mitiche cattedrali di Mosca; Secondo lui, l'architettura colorata della città era composta da scontri artistici nell'aspetto esterno, che riflettevano un'armoniosa interiorità estetica e culturale.

Durante il suo lavoro artistico, Kandinsky sostenne la ricerca dell'essenza primaria della forma. Per questo motivo, il suo lavoro può essere riassunto in tre parole: colore, percezione e sensazione.

Di conseguenza, si può affermare che l'arte astratta è una concessione che presuppone una condizione mistica dell'assoluto; cioè, scommette per una continua evoluzione ideologica e filosofica.

Il primo acquerello astratto

Per raggiungere la totalità estetica di questi tre presupposti, l'autore ha promosso l'uso di elementi plastici di base, come l'elemento punto-primaria all'interno dell'opera pittorica, la linea, il piano e il colore.

Attraverso le associazioni e i collegamenti tra questi elementi, ho ottenuto nuove e diverse percezioni o sensazioni per l'occhio umano.

Tenendo presente questo, si può affermare che l'arte astratta è nata nel 1910 con il primo acquerello astratto di Kandinsky. In questo dipinto puoi vedere forme colorate, linee e valori plastici senza associazione con le realtà; cioè, è un'opera composta da elementi non figurativi.

Inoltre, se l'osservatore osserva attentamente questo lavoro, è possibile percepire che il dipinto è composto principalmente da colori primari e secondari, evidenziando principalmente i colori blu e rosso. Evidenziano anche alcuni tratti di toni grigi, che provocano un contrasto con la vivacità degli altri colori.

-Piet Mondrian

Questo noto pittore olandese non si specializzò nei suoi inizi nell'astrattismo, ma per prima cosa lavorò con altri stili come il naturalismo e il simbolismo. Nonostante la pluralità degli stili, le sue arti plastiche rimasero influenzate dai suoi studi filosofici e spirituali.

Nella ricerca per trovare l'essenza vitale delle cose, Mondrian ha giocato in modo particolare con l'astrazione geometrica per trovare la struttura di base dell'universo nei suoi dipinti.

Per questo motivo, le sue opere sono principalmente denotate dal colore bianco - che è considerato un "non colore" a causa della presenza totale di luce e di tutti i colori - e dal colore nero, considerato anche un "non colore". colore "dovuto alla totale assenza di luce e alla presenza di tutti i colori.

Una delle sue opere più famose, anch'essa legata all'architettura astratta, è il dipinto intitolato Composizione in rosso, giallo, blu e nero, che realizzò nell'anno 1921.

In questo puoi vedere una serie di figure rettangolari di diverse dimensioni e colori; tuttavia, la tavolozza è piuttosto elementare e primaria: come suggerisce il nome, sono i colori rosso, giallo, blu e nero, che possono ricordare i dipinti dell'espressionista Mark Rothko.

scultura

La scultura non è stata lasciata indietro nel movimento astrattista; infatti, ha introdotto una novità all'interno dello stile: tridimensionalità. Ciò è accaduto perché all'interno della pittura astratta le figure appaiono sempre piatte, mentre nella scultura viene promossa la profondità della forma.

-Henry Moore

Uno dei suoi principali esponenti fu lo scultore britannico Henry Moore, le cui figure monocromatiche sembrano avere movimento e mantenere una leggera ispirazione romantica e vittoriana, secondo lo stesso artista.

Moore ha anche ammesso di avere influenze di grandi artisti del Rinascimento come Giotto, Michelangelo e Giovanni Pisano. Inoltre, l'autore è rimasto sbalordito dalle forme delle sculture precolombiane tolteche e maya.

Le sue numerose forme astratte sono state scolpite principalmente in marmo e bronzo. All'inizio della sua carriera, Moore ha applicato la scultura diretta; Tuttavia, durante gli anni '40, lo scultore decise di iniziare con lo stampaggio di gesso o argilla e applicò anche la tradizionale e antica modanatura "a cera persa".

onde

Le sue sculture hanno come caratteristica principale l'uso di forme con ondulazione e spazi vuoti, ispirazione che, secondo la critica, ha acquisito dai paesaggi della contea inglese dello Yorkshire, sua terra natale.

Nonostante il fatto che la pittura astratta promuova l'eliminazione del figurativo, nelle opere di Henry Moore possiamo percepire astrazioni che non si dissociano dalla figura umana. Si può anche distinguere la rappresentazione del corpo femminile e delle figure materne.

Uno dei lavori più noti di Moore è il Three Way Piece No. 2, che si trova nel Toronto City Hall Plaza ed è stato realizzato nel 1964.

Questo pezzo scultoreo monocromatico è uno di quelli che si adatta meglio ai precetti dell'astrazione, poiché la sua forma non può essere direttamente collegata ad alcun riferimento reale.

-Richard Serra

Un altro grande esponente della scultura astratta è il noto artista di plastica Richard Serra, di nazionalità americana. Questo artista, che vive ancora, è considerato dalla critica uno dei migliori scultori del nostro tempo.

Serra è uno scultore minimalista che preferisce lavorare con enormi pezzi di platino d'acciaio, il che rende il suo lavoro estetico più ammirevole.

Il primo stadio dell'artista è quello che corrisponde in un modo migliore agli ideali astrattisti, per i quali ha usato soprattutto il materiale del piombo fuso.

Lavori in acciaio

È noto anche per realizzare grandi strutture rettangolari in acciaio. Uno dei più famosi è il cosiddetto arco inclinato, che è alto 3, 5 metri e ha una curvatura suggestiva e sottile. Questa scultura può essere vista oggi nella Federal Plaza di New York City.

Un'altra scultura astratta molto acclamata dalla critica artistica è quella conosciuta come Snake, che è costituita da tre strati di acciaio che godono anche di una curvatura (le curve all'interno delle forme geometriche sono le caratteristiche più rappresentative di questo artista). L'opera è situata nel Museo Guggenheim di Bilbao.

Una delle opere più conosciute e meglio lavorate di Serra è la cosiddetta The Matter of Time, composta da sette notevoli sculture di grandi dimensioni, realizzate con il materiale preferito dell'artista: acciaio corten.

Queste figure sono costituite nella loro totalità da forme rotonde e oblique, che ci ricorda le forme della natura e il carattere rotondo e ingannevole del tempo come una costruzione umana.

architettura

Nel corso del XX secolo la ricerca dell'essenza e delle forme primitive si manifestò anche all'interno della disciplina architettonica. Per questo motivo, nell'architettura astratta dominano le figure geometriche e piatte, portate anche a uno stile minimalista.

Allo stesso tempo, l'architettura che appartiene a questo stile estetico cerca di avvicinarsi al vero valore della forma, separandola dal caos e dalla realtà arbitraria della vita quotidiana. All'interno di questi elementi, il pezzo architettonico è ispirato alla natura ma è sempre più evidente nella sua ricerca della semplicità dello spirito artistico.

In architettura è necessario adeguare i principi dell'astrazione pittorica poiché, come la scultura, richiede una realizzazione tridimensionale della forma. Inoltre, prima di realizzare l'infrastruttura, è necessario che l'artista si chieda se la forma che desidera produrre possa essere realizzata nella realtà concreta.

Generalmente, l'architettura astratta è composta da grandi finestre rettangolari e da forme quadrate semplici e solide.

-Mies van der Rohe

Uno dei più famosi architetti astratti è il tedesco-americano Mies van der Rohe, che passò alla storia come uno dei più importanti artisti dell'architettura moderna. Era direttore della straordinaria scuola tedesca del Bauhaus; tuttavia, ha dovuto lasciare l'incarico a causa dell'ingresso del nazismo.

La sua architettura è riconosciuta per la sua semplicità e chiarezza, caratteristiche molto caratteristiche dell'astrattismo. Inoltre, l'artista preferiva i materiali come l'acciaio industriale e le lastre di vetro degne di nota, che usava per l'interno della facciata.

Una delle sue opere più famose è a Barcellona e prende il nome dal padiglione tedesco, completato nel 1929. La sua architettura è composta da semplici figure geometriche e attira l'attenzione per le sue dimensioni modeste. Consiste in una pianta libera e mantiene notevoli influenze del neoplasticismo.

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld era un noto artista di plastica che possedeva diverse sfaccettature, dal momento che si distingueva non solo nell'architettura ma anche nella falegnameria e nel design. I suoi disegni di utensili, come la sedia rossa e blu del 1918, denotano il carattere moderno e geometrico come elemento dell'epoca.

La sua opera architettonica più famosa e più simile all'estetica astratta è la cosiddetta Rietveld Schröder House, che è stata costruita nel 1924. Oggi, questo posto è usato come museo.

Per quanto riguarda le sue caratteristiche, sia l'interno che l'esterno della casa implicano un cambiamento con tutti i precedenti parametri architettonici; da qui l'importanza del lavoro.

Non ci sono stanze all'interno della casa, c'è solo una vasta area aperta. La facciata dell'esterno è costituita da linee e piani, distanziati e colorati con lo scopo di creare qualcosa di diverso.

musica

Come accennato nei primi paragrafi, è importante ricordare che la musica stessa è astratta, dal momento che non può essere figurativa anche se ha una nomenclatura simbolica per i punteggi.

Pertanto, la musica astratta non può esistere come movimento artistico. Tuttavia, esiste uno stile musicale noto come musica assoluta, che consiste in quelle opere musicali che non hanno alcuna aggiunta musicale aggiuntiva; cioè, non sono collegati a nessun testo.

In altre parole, la musica assoluta manca di poesia e testi, è una composizione puramente strumentale; quindi, si può ritenere che tutta la musica che manca in lirica appartenga a questo genere. Alcuni esempi possono essere trovati nelle sonate, nelle sinfonie o in un concerto.

Nel corso del XX secolo ci furono diversi compositori che si distinsero per le loro innovazioni musicali e che coincidevano con gli inizi dell'astrattismo. Tra i più importanti sono Igor Stravinsky e Maurice Ravel.

-Igor Stravinsky

Stravinsky era un direttore d'orchestra e compositore di nazionalità russa, considerato uno dei migliori musicisti del XX secolo. Mentre viveva fino all'età di 89 anni, ha avuto l'opportunità di esplorare diversi aspetti musicali; tuttavia, i suoi lavori più riconosciuti furono quelli elaborati durante i suoi primi anni di carriera artistica.

Una delle sue composizioni più acclamate si chiama The Firebird, un balletto che ha debuttato per la prima volta nel 1910 a Parigi.

-Maurice Ravel

Come Claude Debussy, questo rinomato compositore francese si è distinto nella cosiddetta musica impressionista, che è caratterizzata dalle sue influenze orientali e dall'evocazione dei colori attraverso i suoni. Ravel mantenne anche le caratteristiche dell'espressionismo e del neoclassicismo.

Questo musicista è acclamato per diverse opere, e uno dei suoi pezzi più eseguiti è il Bolero, che è stato presentato a Parigi nel 1928; da quel momento il successo di questa composizione fu enorme e universale. Il suo movimento orchestrale è ispirato alla danza spagnola riscaldata, molto popolare a quel tempo.