Barocco: storia, caratteristiche e arte (architettura, pittura, scultura ...)

Il barocco era un movimento artistico e di pensiero del diciassettesimo secolo che simboleggiava un forte cambiamento nelle forme della conoscenza umana. Implicava un distanziamento delle idee del Rinascimento e ritornava alla sfumatura religiosa degli anni medievali; Lo ha fatto dal suo punto di vista, dal momento che ha aggiunto elementi che anticipavano l'arrivo della Modernità.

Comprendere il barocco come episteme di un'intera era è stato complesso per ricercatori e storici, perché nel corso della storia questo concetto è stato pieno di inesattezze e incomprensioni. Tuttavia, la letteratura sul barocco cresce nel corso degli anni, il che consente di sradicare vecchi approcci ambigui.

Il movimento barocco era così imponente da estendere i suoi domini al di là delle arti plastiche, poiché i suoi precetti e ideali si possono trovare nel dominio letterario e musicale; per esempio, alcuni ritengono che Tasso fosse un poeta barocco e si afferma che Bach è il personaggio più rappresentativo e influente della musica barocca.

Allo stesso modo, uno degli aspetti che caratterizzarono il Barocco come movimento artistico fu che questo fu il risultato e l'espressione di una profonda crisi spirituale e morale scatenata dalla decomposizione dei valori del Rinascimento.

Cioè, già nel diciassettesimo secolo la visione del mondo dell'uomo del Rinascimento si era irrimediabilmente diffusa, così il Barocco voleva dire una ricerca per ritrovare quella sintesi e visione del mondo precedentemente perdute, ma attraverso l'esagerato e un profondo fervore religioso che ha lasciato intravedere il vuoto esistenziale di un'intera epoca.

Nonostante la rottura con gli ideali del Rinascimento e la mancanza di totalità, il Barocco era una forma di conoscenza speciale in quanto consentiva l'introduzione di una meravigliosa novità; questo movimento simboleggiava una crescita, una propagazione di una serie di forze artistiche che praticavano l'abbondanza, l'eccessivo e lo straordinario.

L'importanza del barocco era così grande che ai nostri giorni ci sono ancora poeti, pittori e altri artisti che cercano di copiare e catturare questo stile che ha segnato completamente non solo un certo tempo, ma diverse generazioni appartenenti a epoche successive che hanno cercato manifestazioni molto diverso artistico

Origine e storia

etimologia

Sull'etimologia della parola "barocco" sono nate innumerevoli teorie: alcune affermano che proviene dal cognome del pittore Federico Barocci , ma difende anche l'ipotesi che questa definizione derivi dalla parola barocchio, che in italiano si riferisce a frodi e l'usura.

Una delle ipotesi più comuni era quella che affermava che il "barocco" proveniva dalla parola baroco, che era usata all'interno della logica scolastica per designare un sillogismo la cui premessa principale è affermativa e universale, mentre il minore è particolare e negativo.

Ciò significa che, all'interno di questa ipotesi, la parola baroco "si riferisce all'universale e al buono (impregnato di una forte sfumatura religiosa). Questa prospettiva fu difesa da illustri studiosi come Carlo Calcaterra e Benedetto Croce.

Allo stesso modo, la parola baroco acquistò un termine peggiorativo coniato dai settori umanistici appartenenti al Rinascimento, che disprezzavano la logica scolastica sostenendo che le loro ragioni erano assurde e ridicole. Pertanto, un argomento in baroco significava un'idea falsa o tortuosa.

Più tardi questa espressione fu trasferita al mondo delle arti per designare un nuovo stile che, agli occhi degli umanisti convenzionali, era ridicolo e falso.

La perla irregolare

L'ipotesi precedente, sebbene ben difesa e argomentata, poteva essere applicata solo in alcune parti dell'Italia, poiché non si adattava ad altre regioni europee come Francia, Spagna e Portogallo; quindi, si scoprì che il termine "barocco" veniva dal portoghese piuttosto che dal portoghese, una lingua in cui veniva usato per designare una perla dalla forma irregolare.

Si ritiene che "barocco" derivi dalla verruca latina, un termine usato per definire una piccola elevazione di una terra. Era anche associato a pietre preziose. Allo stesso modo, è noto che durante la sua espansione marittima, i portoghesi si dedicarono al commercio delle perle in tutto l'Oceano Indiano.

Durante l'estrazione delle perle vicino a Barokia, nella città di Guzarate, i portoghesi si resero conto che vi erano abbondanza di esemplari di forma irregolare; di conseguenza, un termine peggiorativo è stato coniato per queste perle provenienti da questo luogo.

In questo modo il termine "barocco", già esistente in portoghese, era usato per designare quelle perle irregolari e impure.

Introduzione del termine nelle arti

Verso la metà del diciottesimo secolo il termine "barocco" cominciò ad essere usato dai grandi pensatori dell'Illuminismo.

Ad esempio, Rousseau ha introdotto il termine nella sua Lettre sur la musique francaise, dove ha qualificato la musica italiana con questo nome. Da parte sua, Charles de Brosses usava il termine "barocco" per designare alcuni oggetti d'oro e d'argento, come scatole o casse.

Al momento del trasferimento del termine in architettura, era usato per riferirsi a quelle forme che erano stravaganti e ridicole. Pertanto, l'architettura barocca era considerata un'arte priva di valore, essendo condannata dalla sua separazione con l'ideale classico di regolarità ed equilibrio.

Questa definizione, sebbene ricca di un carattere fortemente spregiativo, ha permesso di aprire la strada alla nozione di "barocco" per riferirsi a un intero stile artistico sviluppato principalmente nel diciassettesimo secolo.

Dal diciannovesimo secolo, il barocco fu salvato per la sua malintesa bellezza e l'importanza che sottintendeva per i diversi periodi dell'arte occidentale.

Caratteristiche del barocco

Nel 1915 il critico d'arte svizzero Enrique Wölfflin pubblicò un testo noto come Principi fondamentali della storia dell'arte, fondamentale per comprendere il barocco come movimento artistico e filosofico.

In questo lavoro, Wölfflin sostenne che il barocco era nato come uno stile sviluppato dal classicismo del Rinascimento; tuttavia, ha preso le distanze da questo per seguire la propria corrente. In questo modo, seguendo le trasformazioni tra un movimento artistico e l'altro, si possono stabilire le seguenti caratteristiche:

Cambia dalla lineare alla pittorica

All'epoca del Rinascimento regnava nelle Belle Arti il ​​carattere lineare, quello delimitato da una forma vigorosa agli oggetti tanto quanto in un piano pittorico come scultoreo o architettonico. Questo ha dato a questo movimento stilistico una qualità tattile all'interno di contorni e piani

Al contrario, il barocco è stato caratterizzato dal trascurare le linee come un elemento delimitante degli oggetti.

Di conseguenza, questo movimento ha portato alla confusione delle cose; lo spettatore deve rinunciare all'esperienza tattile, poiché questo stile ha attratto il valore del colore rispetto ad altri aspetti.

Passaggio dalla visione di superficie alla visione di profondità

Durante il periodo del Rinascimento, in base al valore concesso alla linea, erano disponibili gli elementi di una composizione sovrapposti su una superficie. Nell'arte barocca, trascurando i contorni e la linea, anche la superficie era disprezzata.

Ciò significa che gli elementi sono stati governati da un'ottica di profondità. Per questo motivo è comune osservare (sul piano pittorico) figure umane che non hanno uno sfondo naturale, perché attorno a loro c'è una grande massa scura.

Passa dal modulo chiuso al modulo aperto

Nel Rinascimento il lavoro artistico scommetteva per un insieme chiuso perfettamente racchiuso. Al contrario, il barocco cercò di "rilassare le regole" e prese le distanze dai rigori costruttivi.

Inoltre, il barocco era caratterizzato dall'opposizione alla delimitazione del tutto, allontanandosi dalla rigorosa simmetria delle forme: introduceva tensioni compositive. Questo movimento artistico ha attirato l'instabilità del lavoro.

Passa dalla molteplicità all'unità

Nel Rinascimento ciascuna delle parti conteneva il proprio valore, coordinandosi all'interno del piano artistico. Nell'arte barocca l'unità era considerata dalla confluenza delle parti in un unico motivo, subordinando totalmente alle varie parti dell'elemento principale.

In altre parole, nel barocco c'è una figura principale da cui dipendono il resto degli oggetti.

Passa dalla chiarezza assoluta alla chiarezza relativa degli oggetti

In precedenza, gli oggetti - seguendo il loro carattere lineare all'interno della rappresentazione - possedevano una qualità plastica che dava chiarezza alla composizione.

Nelle linee guida del barocco, la luce e il colore non conferiscono una definizione sulle forme o evidenziano gli elementi più importanti. In conclusione, nella luce e nel colore barocchi hanno la loro vita e non sono alla mercé delle figure.

È un'arte esagerata

Gli artisti barocchi hanno giocato con lo squilibrio e hanno cercato di impressionare coloro che guardavano con forme ingannevoli e dinamiche. La distorsione delle forme classiche, i contrasti di luci e ombre la distinguono.

Il barocco era un movimento che si opponeva all'arte del Rinascimento e al classicismo. Il suo carattere esagerato si riflette nella sua architettura, che aveva un eccesso di ornamenti. Ad esempio, la Basilica di San Pietro a Roma progettata da Gian Lorenzo Bernini.

Arte di tipo sincretico

Le espressioni culturali barocche erano sincretiche, nel senso che ogni espressione artistica era legata alle altre.

L'architettura era strettamente legata alla pittura e alla scultura. Anche musica, danza e teatro, la cui convergenza ha creato l'opera. In altre epoche, le caratteristiche di ogni tipo di arte erano più indipendenti l'una dall'altra.

Fine propaganda

L'assolutismo, la Chiesa e la borghesia hanno usato l'arte barocca per promuovere le loro idee. In risposta, gli artisti barocchi erano divisi in coloro che lavoravano per la chiesa o per un monarca e coloro che volevano essere indipendenti.

Di conseguenza, gli argomenti trattati da ciascun artista erano diversi. La Chiesa, da parte sua, voleva promuovere la sua dottrina e dimostrare che la controriforma stava dando i suoi frutti e che la Chiesa cattolica non era stata sconfitta.

In questa linea, i monarchi volevano dimostrare che il loro potere era assoluto. Grazie a questi è stato sviluppato il dipinto, in particolare il genere ritratto.

Infine c'erano gli artisti indipendenti, che vivevano soprattutto nei Paesi Bassi e in Germania. Le sue opere hanno mostrato il giorno in giorno della borghesia. Ad esempio, opere di Johannes Vermeer come Ragazza che legge una lettera o La ragazza con la perla .

Grazie alla "politica culturale" di questi gruppi di potere, l'era barocca ha goduto di un boom nel mecenatismo ecclesiastico, monarchico e aristocratico. L'arte divenne popolare e furono create molte scuole artistiche, come l'Académie Royale d'Art di Parigi nel 1648 e l'Akademie der Künste di Berlino nel 1696.

Il tenebrismo

È il contrasto di luci e ombre grazie all'illuminazione. Sebbene questo concetto sia applicato principalmente alla pittura barocca, si può affermare che il teatro barocco, la scultura e altri generi di rappresentazione visiva sono stati influenzati da questo gioco con l'illuminazione.

Difficoltà dei sei precetti di Wölfflin

Sebbene le caratteristiche di Wölfflin siano considerate obbligatorie per comprendere il passaggio da un movimento artistico a un altro, alcuni critici ritengono che questo autore abbia diversi difetti nelle sue affermazioni, dal momento che non considera i fattori culturali, spirituali e sociologici che hanno influenzato il cambiamento epistemologico .

Inoltre, Wölfflin non ha tenuto conto del fatto che tra il Rinascimento e il Barocco c'era un altro movimento che è ora conosciuto come Manierismo; come periodo di transizione, condivide molte caratteristiche del barocco più primitivo.

Il barocco era così importante nel suo contesto storico che non si diffuse solo attraverso le arti, ma permise anche altre discipline come la filosofia, la psicologia, la politica e persino la fisica e la matematica.

Oswald Spengler fu responsabile dell'estensione di questo concetto, perché nella sua famosa opera La decadenza dell'Occidente sollevò l'esistenza di un'epoca barocca.

A partire dal 1915, gli studiosi d'arte cominciarono a mettere in discussione l'idea che il barocco potesse essere una costante nella storia dell'umanità e all'interno degli stili artistici.

Questa premessa nasce perché, sebbene il Barocco sia stato sviluppato nel diciassettesimo secolo, il suo aspetto estetico è ancora presente fino ad oggi, poiché molti grandi artisti hanno preso gli ideali di questa era per passare a manifestazioni più moderne.

Per questo motivo, una serie di libri che applicano la letteratura barocca può essere trovata nel XXII secolo.

Elementi fondamentali per capire il barocco

Tenendo conto dei precetti di Wölfflin insieme alle informazioni precedentemente presentate, è possibile estrarre alcuni punti fondamentali per comprendere in modo più completo gli elementi che costituiscono il barocco. Sono i seguenti:

L'importanza del religioso, lo stravagante e il grottesco

Il barocco (sia il vecchio che il corrente) ha una serie di tensioni che esplodono con i parametri classici di simmetria e proporzione.

Inoltre, è incline a dipingere scene cruente e crudeli, che abbondano con le caratteristiche dell'orribile e lugubre. Grazie a questo molti studiosi collegano il barocco con il preromanticismo e il romanticismo.

Attraverso il tema religioso, il barocco tende ad esprimere antinomie tra la carne e lo spirito, i piaceri mondani e le gioie celestiali. Inoltre, è incline all'analisi dei peccati e del pentimento, così come l'estasi e la beatitudine che si insinua in alcuni uomini.

L'elemento religioso è cruciale per comprendere il barocco; In effetti, per alcuni critici, la religione è una componente angolare dell'espressione barocca.

Inclinazione verso i piaceri mondani e la furia incontrollata

L'uomo, come figura all'interno di questo movimento, si lascia trasportare dalle forze contenute; Il barocco implica passione, movimento e impulso in diverse direzioni. Il barocco cerca di lanciarsi verso l'alto, nella sua ricerca di fede; tuttavia, non può staccarsi dagli appetiti terreni.

All'interno di questa manifestazione artistica, lo spiritismo e il sensismo sono costantemente confusi, perché c'è una convulsione tra le due posizioni che innesca figure esagerate e elementi decorativi molto carichi.

Nell'arte barocca i valori erotici e sensoriali sono molto importanti: il mondo è goduto attraverso i sensi, i colori e i suoni, tutti focalizzati sulla voluttà e l'abbondanza.

Solleva una secolarizzazione del trascendente, quindi incorpora una domanda sulla transitorietà della vita e sulle cose mondane. Cerca di ricordare all'uomo che tutto è vano, effimero e transitorio, cercando di raggiungere una realtà libera da imperfezioni e menzogne.

Arte del barocco

-Architettura

lineamenti

L'architettura barocca è stata caratterizzata principalmente dal suo notevole rifiuto verso la semplicità; Al contrario del Rinascimento, il Barocco non cercava l'armonia calcolata e stabilita, ma lo squilibrio, il movimento e l'eccessivo. Di conseguenza, gli architetti hanno posizionato piante ovali ed ellittiche, derivate da linee geometriche.

Allo stesso modo, hanno abbandonato le linee rette e le superfici piatte, che hanno sostituito con linee molto curve e superfici ondulate.

Ciò ha permesso l'ingresso del movimento nel mondo artistico, visibile anche nelle discipline della scultura e della pittura. Nell'architettura, non solo il pavimento principale era ondulato, ma anche tutte le facciate e gli interni.

Movimento, luce e ombra, effetto teatrale

L'idea del movimento è stata rinforzata anche da altri elementi come i frontoni divisi, le colonne salomoniche e l'ovale. Anche la luce era fondamentale all'interno dell'architettura barocca, poiché consentiva di creare effetti di chiaroscuro e movimento, come si può vedere anche nel dipinto.

Per giocare con la luce, l'architetto ha realizzato superfici discontinue che avevano ingressi profondi illuminati dal sole mentre l'altra parte rimaneva nell'ombra, favorendo l'effetto del chiaroscuro e del contrasto.

A sua volta, l'architettura barocca ha arricchito e complicato qualsiasi elemento tradizionale come archi e cornici, tra gli altri. L'obiettivo era quello di ottenere un effetto teatrale e spettacolare, in modo che l'elemento decorativo mascherasse la vera struttura dell'edificio.

Lavori in evidenza

La chiesa del II Gesù di Roma

Uno dei primi esempi di architettura barocca emerge con questa chiesa, che simboleggia la fine del Rinascimento e l'inizio del barocco. Alcune delle caratteristiche della facciata di questo edificio sono state ripetute da altri luoghi come la Spagna e persino l'America Latina; per questo motivo, è uno degli edifici più importanti.

In questo periodo iniziale è ancora un barocco riposato, quindi non ha un gioco eccessivo di curve e controcurve. Tuttavia, Il Gesù ha alcuni ingressi e salienti sulla sua facciata che annunciano la fase successiva di questo movimento.

La Basilica di San Pedro: opera di Gianlorenzo Bernini

La basilica di San Pedro, iniziata da Michelangelo, ha diverse caratteristiche rinascimentali, come si può vedere nella sua basilica. Tuttavia, Gianlorenzo Bernini è stato assunto per completare la decorazione di questo edificio.

Tra i dettagli del Bernini, il più comune è il baldacchino situato all'interno di questa basilica, che è un esempio preciso degli elementi del barocco: consiste di molto oro, movimento e un horror vacui, poiché non c'è un unico spazio di Questo oggetto manca di ornamenti e dettagli.

Il baldacchino ha una serie di forme oblique e quattro colonne solomoniche, che danno la sensazione di movimento e stravaganza. Anche le forme geometriche e gli elementi naturali fanno parte di questa composizione architettonica.

-Pittura

lineamenti

Per quanto riguarda la pittura barocca, conserva le stesse caratteristiche di architettura e scultura, come il chiaroscuro, lo squilibrio, il movimento, il fervore religioso, la sensualità e schemi complicati.

La pittura barocca si appella al naturalismo, così che le cose siano rappresentate come apprezzate dall'artista, siano esse belle, brutte, piacevoli o spiacevoli.

Ad esempio, puoi trovare scene di bellissime Magdalene (come Magdalena penitente, di Murillo), ma puoi anche vedere ritratti grotteschi (come Anatomy Lesson, di Rembrandt).

La pittura barocca si distingue anche per la sua abbondante rappresentazione di paesaggi, nature morte e nature morte, dove il colore predomina su qualsiasi altro elemento. Inoltre, gli artisti barocchi scommettono (e scommettono) sulla grandiosità, perché sono grandi tele che possono misurare fino a tre metri di larghezza.

Tuttavia, la luce è il protagonista principale nei dipinti barocchi. Nel Rinascimento, la luce era subordinata alle forme, sottolineandone il contorno; nel barocco la forma è ciò che è subordinato alla luce. Ciò diede origine a una delle correnti più sorprendenti del barocco, così come il tenebrismo.

Lavori in evidenza

Il tenebrismo di Caravaggio

Il tenebrismo costituiva tutta la prima fase della pittura barocca e consisteva in un violento contrasto di ombre e luci. Il pioniere di questa tecnica era Caravaggio, che era un contemporaneo con El Greco, anche se i loro stili erano molto diversi.

Una delle sue opere più importanti, in cui è possibile percepire il tenebrismo nella sua espressione più pura, è chiamata la Crocifissione di San Pedro . In questa luce pittorica coglie il busto nudo di San Pietro, che sta per essere crocifisso a testa in giù.

Lo sfondo del dipinto non è delimitato, poiché una grande massa nera assume l'ultimo piano. Le figure più lontane da San Pedro sono più scure, mentre quelle più vicine indossano colori più luminosi e ricevono una maggiore illuminazione.

Rembrandt come il massimo rappresentante della pittura barocca olandese

Nella sua fase iniziale Rembrandt si è distinto principalmente per i suoi chiaroscuri e i suoi dipinti colorati, poiché è stato influenzato dallo stile caravaggista.

Le sue composizioni sono molto commoventi; tuttavia, a differenza dei dipinti di Caravaggio, le sue pennellate sono morbide e le figure sono diluite nell'atmosfera, il che incoraggia lo sviluppo di scene fantastiche e misteriose.

Questo può essere osservato in modo notorio nel famoso dipinto chiamato The Night Watch, dove la luce si basa principalmente su due personaggi che indossano il giallo; Di riposo, gli altri personaggi che compongono la foto usano vestiti scuri di toni rossastri.

Il personaggio più eclatante è quello di una bambina, che a causa della forte illuminazione che riceve, sembra un'entità angelica. Il suo viso, puro e bello, è diluito tra tanta luminosità.

Da parte sua, il personaggio centrale riceve forti contrasti pittorici grazie al suo abbigliamento completamente nero che evidenzia una fascia rossa che porta sul petto.

Velázquez: uno dei più importanti pittori di tutti i tempi

Per molti critici, Velázquez è forse il più importante pittore nella storia dell'arte. Questo apprezzamento è dovuto al fatto che questo pittore spagnolo ha stabilito un nuovo modo di apprezzare la pittura grazie al suo gioco di specchi e al suo inganno pittorico.

Sebbene il suo lavoro sia molto rozzo e davvero famoso, il suo dipinto più famoso è Las Meninas (il cui nome originale è The Family of Felipe IV). In questo lavoro puoi vedere come l'autore ha lavorato su una prospettiva matura, basata su chiaroscuri e contrasti.

Nel dipinto ci sono due entrate di luce: una che copre la piccola principessa Margarita e le sue menine e un'altra che mostra attraverso la porta sul retro, dove appare una persona reale.

Questo dipinto ha attraversato le frontiere cronologiche perché Velázquez ha fatto qualcosa che nessun altro pittore aveva mai fatto prima: si è dipinto esercitando il lavoro di un artista.

Questo è stato di fondamentale importanza per il mondo della pittura in quanto ha dato autonomia ai pittori. Inoltre, l'autore sembra guardare compiaciuto allo spettatore, come se stesse insinuando la sua immortalità registrata attraverso l'atto creativo.

-Scultura

lineamenti

La scultura barocca era caratterizzata principalmente da un forte desiderio di movimento che si manifestava in modo ossessivo; secondo alcuni intenditori, questo è accaduto in un modo molto più noto che in architettura.

Questa ricerca per esprimere il movimento portò come conseguenza che la scultura sollevava schemi compositivi di carattere libero, che non riproducevano semplici composizioni ma aspiravano allo scenografico, al teatrale e al pomposo.

Nel Barocco, le figure umane sono state scolpite durante l'esecuzione di scene in movimento, in particolare durante l'episodio più instabile dell'azione, in cui si può vedere il più grande squilibrio.

Allo stesso modo, le sculture barocche sono incorniciate in un contesto architettonico; Ciò significa che le immagini possono essere collocate su un altare, in un giardino, in tombe o nicchie. Ciò provoca la sensazione che le sculture si estendano all'ambiente circostante e non solo hanno un significato nel posto che occupano.

All'interno del quadro religioso, i temi della scultura barocca sono l'esaltazione della fede e dei miracoli, sebbene sia possibile vedere anche temi mitologici e persino alcuni busti reali. Ciò che queste figure hanno in comune è il loro naturalismo.

Lavori in evidenza

Bernini non si distingue solo come architetto, ma anche come scultore. Di lui troviamo due opere particolarmente importanti per il barocco: il Rapture di Proserpina e il David.

Nel primo caso l'autore ha deciso di rappresentare una storia mitologica, in cui Proserpina - conosciuta anche come Persefone - viene rapita da Ade, il dio degli inferi.

In questo lavoro puoi vedere il movimento attraverso la dea rapita, perché i suoi capelli sembrano estendersi nell'aria; Questo è anche osservato in misura minore nei capelli di Ade.

La scena rappresenta il momento esatto del rapimento, quindi i corpi di entrambi i personaggi sono tesi. Proserpina dirige la sua testa verso il lato opposto di Ade perché cerca di scappare, ma la tiene saldamente per la coscia.

Il dettaglio della mano di Ade che stringe la pelle di Proserpina è considerata una delle immagini più belle della storia dell'arte.

D'altra parte, il David di Bernini si differenzia dal suo predecessore (il David di Michelangelo) dal fatto che questo David è stato scolpito durante il processo di lancio della roccia, quindi la scultura cerca di dare allo spettatore non solo una sensazione di movimento, ma anche di tensione; il personaggio riflette nel suo volto concentrazione e destrezza.

-Letteratura

lineamenti

La letteratura barocca mantenne le caratteristiche di altre discipline artistiche, principalmente il carattere ornato del lavoro artistico. È uno stile sontuoso che è stato principalmente dedicato alla registrazione della transitorietà della vita umana, il sogno, la menzogna e la lotta. Si è anche concentrato su alcune storie mitologiche.

Per quanto riguarda il carattere compositivo, la letteratura barocca utilizzava eccessivo iperbato, ellissi, aggettivazione, antitesi e metafora, il che rendeva difficile la lettura in molte occasioni.

Nel barocco spagnolo questa letteratura ha coinciso con lo sviluppo della famosa Età dell'Oro, quindi hanno dominato temi religiosi, d'amore e d'onore. Nella poesia, la letteratura barocca continuò con l'uso del sonetto rinascimentale, ma aggiungendo la voluttà tipica di questo movimento.

Durante questo periodo apparve l'acclamato romanzo Don Chisciotte, di Miguel de Cervantes. C'erano anche alcuni sottogeneri di successo nella penisola iberica, come i romanzi picareschi. Inoltre, un altro importante scrittore è apparso nel teatro: Pedro Calderón de la Barca.

Lavori in evidenza

Per quanto riguarda i suoi autori più noti, vale la pena di notare i poeti Luis de Góngora e Francisco de Quevedo. Il primo ha scritto una lunga storia d'amore intitolata Fábula de Píramo y Tisbe, che è catalogata dalla critica come un poema molto complesso che richiede molto sforzo razionale e creativo.

Allo stesso modo, Francisco de Quevedo ha scritto 875 poesie, che sono state sfumate da diversi sottogeneri; alcuni erano satirici-burleschi, altri di corte amorosa e morale.

Aveva anche alcuni versi religiosi e funebri. Uno dei suoi poemi più noti è il cosiddetto Amore Costante oltre la morte.

La più nota opera di Pedro Calderón de la Barca è stata La vida es sueño, ed è acclamata per la sua bellezza poetica e per la sua musicalità perfetta. In questo testo l'autore ha giocato con l'essenza dei sogni e con lo stretto rapporto che questi mantengono con la caducità della vita e con i piaceri terreni.

Nel barocco inglese, William Shakespeare si è distinto.

- Musica barocca

Alcune delle caratteristiche della musica barocca sono:

1. Il contrasto Come in altre espressioni artistiche dell'epoca, la musica barocca mostra un grande contrasto tra le note di ogni strumento e le voci dei cantanti.
2. Il continuo è stato sviluppato. Ad esempio, la stessa nota è stata suonata con strumenti diversi, come il clavicembalo o il clavicembalo e il violoncello. In questo modo è stata apprezzata la differenza tra questi suoni. Questo alterco dei suoni è stato seguito da suoni lenti.
3. La musica notal è stata sviluppata. Prima che la musica fosse modale e basata su antiche modalità e scale. Nel barocco fu creato il sistema di scale: maggiore e minore, con accordi.
4. La bussola e il ritmo sono creati. L'impulso regolare e marcato usato oggi è sviluppato.
5. La musica strumentale diventa indipendente.
6. La musica profana è stata resa popolare e sviluppata.
7. Le forme vocali sono sviluppate: opera, oratorio, cantata, passione.

-Barque teatro

Lo stile barocco nelle commedie era caratterizzato da sei regole fondamentali che lo governavano:

1. Ha rotto con la regola di 3 unità. In base a questo, ogni opera ha avuto un'azione principale, uno scenario e un giorno (le azioni sono avvenute lo stesso giorno).
2. Riduzione del numero di atti: da cinque a tre.
3. La lingua è stata adattata, il che ha permesso alle classi non privilegiate di comprendere il teatro.
4. La tragicommedia fu introdotta.
5. L'importanza è stata data alle figure retoriche nei dialoghi dei personaggi.
6. La metrica della poesia lirica è portata a teatro.